Uiteindelijk vind ik de legendarische Schneiders Buero, een winkel met analoge synthesizers in de Berlijnse wijk Kotti. Twee trappen op en de aangeboden muziekmachines omvatten merken als Moog en Buchla, maar ook moderne euro-racks. Elke opstelling bevat koptelefoons en dozen patchkabels. Er zijn geen instructies en de machines zijn, hoewel verleidelijk, ook enigszins imposant. (Uit Michael’s veldnotities)
Als academici die zelden een dag voorbij laten gaan zonder muziek te spelen of te maken, hebben we het afgelopen decennium besteed aan het onderzoeken van de buitengewone opleving van analoge technologie. Van vinylplaten tot filmcamera’s, allerlei schijnbaar afgeschreven technologieën hebben een comeback gemaakt, waaronder modulaire synthesizers – een van de vroegste types van dit nu alomtegenwoordige elektronische instrument.
In het Verenigd Koninkrijk werden in 2023 zo’n 6 miljoen vinyl LP’s gekocht, een stijging van 11,7% ten opzichte van het jaar ervoor en het 16e achtereenvolgende jaar van stijging. De heropleving van vinyl zorgt ook voor een heropleving van onafhankelijke platenzaken, met in de Britse winkelstraten nu een derde meer (ongeveer 461 winkels) dan tien jaar geleden. Sommige van deze winkels waarschuwen klanten opnieuw dat ze lange rijen kunnen verwachten op de 17e wereldwijde Record Store Day op 20 april, wanneer ze vinylplaten (oud en nieuw) in beperkte oplage zullen verkopen en live optredens zullen organiseren.
Het stereotype dat vinylluisteraars oudere mannen zijn, gaat zeker niet langer op. Taylor Swift is nu goed voor een op de 15 verkochte vinylalbums in de VS – en was een reden voor een aantal van de Record Store Day rijen in het Verenigd Koninkrijk in 2023. Nieuwere acts zoals Lana Del Ray, Tyler, The Creator, Olivia Rodrigo en Kendrick Lamar zijn ook beter in vinyl dan Metallica, die zelf zoveel van hun muziek op vinyl verkopen dat ze hun eigen vinylpersfabriek hebben gekocht om de aanvoer te garanderen.
De opleving van analoge synthesizers is zo groot geweest dat eerbiedwaardige merken als Korg en Moog goedkopere modules hebben uitgebracht voor beginners, terwijl ze ook oudere klassiekers nieuw leven hebben ingeblazen voor de professionals. Dit betekent dat er nu meer analoge opties beschikbaar zijn dan ooit sinds de jaren 1970, de hoogtijdagen van het modulaire formaat. Synthesizer-gebaseerde muziekevenementen van nieuwe merken zoals Teenage Engineering zitten vol met jonge en middelbare enthousiastelingen die staan te popelen om te spelen met op Kraftwerk geïnspireerde zakrekenmachinesynths die een verrassend scala aan geluiden kunnen produceren.
Mijn [Michael’s Berlin] bezoek was een van de vele ervaringen die probeerden uit te leggen waarom zoveel consumenten kiezen voor deze zogenaamde “moeilijke” technologieën, terwijl er veel eenvoudigere en handigere opties bestaan. Gaat het er eigenlijk om hoe moeilijk het is om deze oude apparaten te leren gebruiken?
Ik sluit voorzichtig twee modules aan. Niets. Opeens realiseer ik me dat ik hier al twee uur mee bezig ben. Ik voel me wat versuft en kijk de winkel rond. Velen van degenen die de machines op hetzelfde moment als ik begonnen te gebruiken zijn nog steeds in gedachten verzonken, hun machines bedekt met patchkabels. Ik ga door en uiteindelijk beginnen er geluiden te komen.
De aantrekkingskracht van het langzame
Toen Phil Oakey, frontman van de jaren 80 synthpop pioniers The Human League, in een interview in 2011 zei dat er een nieuw “analoog moment” aan het ontstaan was, vroegen we ons af of deze toegenomen interesse in verouderde formaten een voorbijgaande rage zou zijn, of iets duurzamers.
Dus doken we erin. Michael kocht een in de USSR geproduceerde Lomo LC-A camera (geïntroduceerd in 1984 en vandaag de dag nog steeds geproduceerd in China), een vinyl platenspeler met plastic naalden die een paar platen vernielde, en wat kleine synthesizermodules van Korg die eerder bedoeld zijn voor geïnteresseerde amateurs dan voor professionele muzikanten.
Uiteindelijk werden deze uitstapjes ons formele onderzoeksproject, dat onder andere bestond uit het bezoeken van platenbeurzen en conventies over de hele wereld, het maken van fotowandelingen en het bijwonen van luisteravonden, en het ontmoeten van een reeks diehard analoge gemeenschappen, zowel on- als offline.
Dit artikel maakt deel uit van Conversation Insights
Het Insights-team genereert long-form journalistiek die is afgeleid van interdisciplinair onderzoek. Het team werkt samen met academici met verschillende achtergronden die betrokken zijn bij projecten om maatschappelijke en wetenschappelijke uitdagingen aan te pakken.
In 2018 heeft I [Giana] mee aan een artikel voor de Harvard Business Review getiteld The Growing Business of Helping Customers Slow Down, waarin de groeiende honger naar “consumentenvertraging” wordt belicht – en daarmee samenhangende concepten zoals “slow shopping” en het aanbieden van “stille kamers” in sommige winkels in winkelstraten:
Wij zien het faciliteren van vertraging als gunstig voor het individuele welzijn, het milieu en bedrijven. En we verwachten dat de belangstelling voor dergelijke ervaringen de komende jaren exponentieel zal toenemen. Het erkennen van onze existentiële behoefte om af en toe te vertragen kan de basis vormen voor winnende consumentenstrategieën.
Dit artikel voorspelde een toekomst die meer van ons nu erkennen. In december 2023 noemde de krant Observer vinylalbums – samen met langzaam gezette filterkoffie – het “tegengif voor een hectische digitale wereld”. Dit punt werd herhaald door veel van de mensen die we hebben geïnterviewd over “de aantrekkingskracht van het langzame”, waaronder Naomi*, die onlangs was begonnen met het experimenteren met een 19e-eeuwse camera:
Ik hou van het tempo, het vertraagt je echt. Je mogelijkheden om foto’s te maken zijn echt beperkt – je hebt maar twee tot zes opnames en de film en verwerking zijn duur. Het is ook erg arbeidsintensief om die opname van de camera naar de afdruk te krijgen, dus je bent je er echt van bewust dat je het goed moet doen. Als je in het begin een fout maakt, kun je een paar dagen investeren en dan wordt het nog steeds een waardeloze opname. Je kunt niet 1000 foto’s schieten zoals met digitaal, en dat spreekt me erg aan.
Gered van de sloop
Volgens het wereldwijde fotografieonderzoek 2018 van camerafabrikant Ilford had iets minder dan een kwart van de mensen die op film fotograferen – waaronder veel mensen jonger dan 40 jaar – dit medium nog nooit gebruikt. In plaats van nostalgie grijpen ze naar film vanwege de esthetische waarden en een groter gevoel van creatieve controle over hun foto’s. Wereldwijd is de markt voor filmcamera’s nog steeds erg niche, maar hij groeit snel.
In reactie hierop zijn eerbiedwaardige merken als Kodak, Polaroid en Leica weer opgestaan – in sommige gevallen bijna uit de dood. De legendarische instant cameramaker Polaroid werd gered door de Oostenrijkse ondernemer Florian Kaps, wiens organisatie Impossible Project de laatste fabriek van het bedrijf in Nederland opkocht enkele dagen voordat deze zou sluiten. Kaps legde het ons uit:
We hadden net een exponentieel groeiende klantengroep van nieuwe-generatie instant fotografen opgebouwd en ontdekt, dus we moesten vechten voor deze allerlaatste kans om dit medium in leven te houden! We hebben het letterlijk van de sloop gered op de allerlaatste seconde in 2008.
Vanuit zijn basis in het centrum van Wenen biedt het Impossible Project nu consumenten en commerciële klanten alles van grootschalige polaroidportretten tot lokale handgemaakte wijnen en zelfs lessen in zuurdesembrood maken en afdrukken op basis van blokken. Elders is de belangstelling voor analoog in een reeks categorieën blijven bestaan, van de groei van bordspellen tot het schrijven van brieven en de veerkracht van fysieke boeken.
Het verhaal van het Onmogelijke Project.
Leden van de Amerikaanse Academy of Motion Picture Arts and Scientists zijn ook analoge fans, te oordelen naar de genomineerden voor de beste cinematografie bij de Oscars van 2024. Hoewel films op film nog steeds een klein deel uitmaken van het totale aantal uitgebrachte films, zijn vier van de vijf genomineerden voor cinematografie gemaakt op Kodak-filmstock (Oppenheimer, Killers of the Flower Moon, Poor Things en Maestro).
Hoewel digitaal filmen een aantal duidelijke voordelen heeft ten opzichte van analoog, vooral als het gaat om postproductie en distributie, is de meest gemaakte fout om te suggereren dat het kosteneffectiever is. In 2018 besprak de toenmalige Global Marketing Director van Kodak, Steven Overman, dit met ons in relatie tot de regisseur van Oppenheimer, Christopher Nolan, die een bekend voorstander is van filmen:
Een van de grote mythen over film is dat het duurder is dan digitaal – maar dat is niet echt waar als je een gedisciplineerde filmmaker bent. Als de opnamepercentages van een filmmaker te hoog zijn, moet er veel aan postproductie worden gedaan. Maar voor een film als Dunkirk is eigenlijk niet zoveel film opgenomen, omdat Chris Nolan zo’n gedisciplineerde filmmaker is – hij weet precies wat hij in de opname wil vastleggen. Filmen vereist per definitie meer discipline.
Overman merkte ook op dat in sectoren zoals de mode, commerciële fotografen die film gebruiken meer verdienen dan degenen die digitaal gebruiken, vooral omdat ze zich kunnen onderscheiden in een markt die verzadigd is met technisch geweldig werk. Hij zei dat luxe merken zoals Gucci vooral graag gebruik maken van filmfotografie omdat dit hun promotiemateriaal een andere uitstraling geeft.
Werk, inspanning, betekenis
Veel van de fotowandelingen die ik [Michael] zijn geëindigd in een café met discussies over de relatieve voordelen van digitaal en film. Na zo’n wandeling gaf James, een voormalig leraar fotografie, commentaar op een filmfoto van een vos die ’s avonds laat een achtertuin bezocht om noten te eten. Toen werd toegegeven dat digitaal waarschijnlijk beter was voor natuurfotografie, viel James hem bij:
Dat is het punt missen! Kwalitatief is er geen twijfel mogelijk – maar je mist alle voorbereiding. Het is alsof je naar een band gaat kijken in plaats van thuis naar een CD te luisteren. Het geluid is misschien beter, maar je mist het werk dat in het optreden is gaan zitten, de inspanning van de spelers en hun crew.
Werk, inspanning, betekenis – deze ideeën zijn allemaal met elkaar verbonden voor gebruikers en consumenten van analoge technologie. Terwijl werk vaak wordt gezien als een middel om een doel te bereiken, van geld verdienen tot sporten, krijgen “analisten” een kick van het proces van dingen opzetten, dingen goed krijgen, vallen en opstaan en vaardigheden opbouwen.
Deze “liefde voor het proces” werd bevestigd door een andere fotograaf, Dan, tijdens een Zoom-discussie tijdens een van de COVID lockdowns:
Als ik serieus ben, wil ik niet worden afgeleid door wat [image] waar ik uiteindelijk mee zal eindigen. Zelfs met instant fotografie weet ik dat ik de foto binnenkort ga zien – alleen niet nu. Ik vind alles prachtig tot het moment dat ik op de sluiter druk. Ik houd van het zoeken naar het kader, ik houd van het resultaat, maar het hele proces is belangrijk.
Toch is geen van de mensen die we hebben geïnterviewd een analoge purist. Deze vinylliefhebbers hebben meestal ook Spotify-lijstjes, filmfotografen halen soms hun telefoon tevoorschijn om materiaal vast te leggen dat ze snel kunnen delen en fans van modulaire synths hebben vaak tablets vol apps om geluiden onderweg na te maken.
Wanneer hen echter gevraagd wordt om de twee te vergelijken, praten ze over het grotere gewicht en de grotere betekenis die ze geven aan hun analoge ervaringen. Vinyl luisteraars vertellen ons vaak dat ze zich meer betrokken voelen bij de muziek en een diepere ervaring met de artiest hebben ontwikkeld. Paul beschreef bijvoorbeeld zijn relatie met een geliefde vinylplaat:
De ene [vinyl track] die me altijd aan het huilen zal maken is A Natural Woman van Aretha Franklin. Het is bekrast tot de hel, maar er is iets aan de warmte die ervan uitgaat, die iets mogelijk maakt dat er niet is – iets toegevoegd. Ik denk dat het de kwaliteit van de menselijke stem is; het voelt meer alsof iemand tegen me spreekt.
Atlantic Records via Wikimedia
Voor Paul maakt de bijzondere geluidskwaliteit van een vinylopname – en zelfs de schade door het vele afspelen van deze plaat – allemaal deel uit van zijn relatie met dit nummer. En een deel van wat dit mogelijk maakt is het proces van analoog opnemen, waarbij alle geluiden die worden gemaakt, inclusief de onbeschreven ruis van het opnameproces zelf, worden vastgelegd in de uiteindelijke track.
Om dit geluid mogelijk te maken zijn sommige muzikanten zelfs begonnen met het opzetten van hun eigen perserij, zoals Jack White’s Third Man Pressing in Detroit. Er is namelijk nog een andere kant aan de analoge revival die allesbehalve gepland is.
De vreugde van gelukkige ongelukken
Of je nu muziek, film of beeldende kunst maakt, “gelukkige ongelukjes” die worden vergemakkelijkt door beperkende analoge technologie kunnen leiden tot creatieve ingevingen. De term wordt veel gebruikt in de elektronische popmuziek om te verwijzen naar onverwachte of ongeplande resultaten die voortkomen uit de onvolkomenheden van analoge apparatuur, zoals John, een muzikant uit Melbourne en liefhebber van jaren 80 muziek, uitlegt:
De helft van wat je doet om muziek te maken is een gelukkig toeval dat uiteindelijk beter klinkt dan wat je van plan was. Als de machine niet precies doet wat je dacht dat hij zou doen, of een beetje uit de toon valt, is dat allemaal onderdeel van het proces. Je fouten of ongelukjes worden onderdeel van wat je probeert te doen, in plaats van dat je denkt: ‘Oh, ik wis dat en doe het nog een keer goed’. Er zit een beetje willekeur in en die willekeur kan iets toevoegen aan wat je probeert te bereiken.
Of zoals Rusty Egan, voormalig lid van de vroege synthpopband Visage en medeoprichter van de baanbrekende New Romantic club Blitz in het Londense Covent Garden, het zegt: “Geef de mogelijkheid van ongelukken niet op!” Egan, altijd bekend om zijn openhartige meningen, deed dat gedenkwaardige pleidooi ooit toen hij in 2011 het podium betrad voor een dj-set. Later die avond legde hij uit wat hij bedoelde:
De DJ’s die net klaar zijn, zijn geweldig – maar ze gebruiken Ableton [computer software] om de overgangen tussen de nummers glad te strijken. Dit maakt het allemaal perfect – te perfect. Fouten zijn niet mogelijk. Toen we begonnen hadden we die technologie niet, dus maakten we fouten en sommige daarvan waren gelukkige ongelukken, wat resulteerde in iconische nummers. Herinner je je de iets uit de toon vallende ‘duh duh’ op Tainted Love? Dave Ball was net aan het leren spelen en vond het geluid geweldig. Hij zette de geweldige stem van Marc Almond eroverheen en je had perfectie.
De heropleving van op film gebaseerde fotografie wordt deels gedreven door dezelfde sensibiliteit. De in Wenen gevestigde organisatie Lomography – in 1992 opgericht door een groep studenten als kunstbeweging om het maken van spontane en experimentele foto’s te promoten – omarmt zaken als de “vreugde van lichtlekken” die typerend zijn voor goedkope plastic camera’s van Chinese en Sovjetmakelij, wat allerlei interessante creatieve resultaten oplevert.
Regel 9 van de tien gouden regels van Lomography benadrukt het toevallige karakter van het fotograferen met film in plaats van een digitale camera – en zelfs de leuke verrassing als je ontwikkelde film wordt teruggebracht van het verwerkingslaboratorium:
Dus je krijgt een filmrolletje terug van het lab. Wie is die persoon? Wat is die werveling van licht die over het beeld flikkert? Hoe zijn de kleuren zo geworden? Of wat dacht je van die dubbele belichting per ongeluk – hoe kon dat gebeuren? Wat probeerde ik daar eigenlijk te fotograferen? Het zijn deze gelukkige ongelukjes waar we van houden.
Het korrelige karakter van film, het krakende geluid van vinyl en de neiging van analoge synths om uit de toon te vallen of last te hebben van stroompieken kunnen allemaal belangrijke elementen zijn in de culturele resonantie van kunst en muziek. Dat geldt ook voor menselijke onvolkomenheden, die vaker lijken voor te komen bij analoge opnames.
Zo begint de openingsbaspartij van Cannonball, het nummer uit 1993 van de Amerikaanse indieband The Breeders, per ongeluk in een andere toonsoort. Bassiste Josephine Wiggs begon de riff een stap naar beneden te spelen, en herstelde dat toen de drums erbij kwamen. En in Roxanne, de debuutsingle van The Police uit 1978, begint het nummer met een per ongeluk pianoakkoord gevolgd door het gelach van leadzanger Sting, omdat hij per ongeluk op de pianotoetsen is gaan zitten.
Op dezelfde manier zijn veel van Mick Rocks legendarische muziekfoto’s, zoals de hoes van Lou Reed’s album Transformer, technisch erg korrelig omdat hij bij weinig licht fotografeerde en de film tot het uiterste “dreef”, maar daardoor hebben ze een schilderachtige uitstraling die hun aantrekkingskracht en kracht heeft vergroot.
Digitale technologie maakt ons minder bekwaam
In de loop van ons onderzoek zijn de verklaringen voor de analoge revival verschoven van nostalgie naar het verlangen naar iets fysieks in een digitaal tijdperk, naar het gevoel dat analoge technologie creatief gezien de voorkeur verdient. Het idee dat het werken binnen grenzen, en het moeten overwinnen ervan, goed is voor kunstcreatie wordt nu door velen binnen de creatieve sectoren geaccepteerd.
Maakt digitale technologie consumenten minder bekwaam en leidt het tot een gevoel van vervreemding? En wordt dit overwonnen door moeilijkere analoge apparaten te gebruiken? Tot deze conclusie zijn we gekomen. Bepaalde vormen van “serieuze vrijetijdsbesteding”, zoals sport en creatieve activiteiten, verschaffen ons intrinsiek plezier, zelfs als ze frustrerend zijn om te beoefenen totdat vaardigheden zijn ontwikkeld. Het gebruik van analoge technologie is een andere manier waarop consumenten dit verlangen naar nieuwe vaardigheden kunnen voeden.
In zekere zin hebben analoge gebruikers het gevoel dat ze meer controle hebben over hun creativiteit, maar dit gebeurt door zich over te geven aan de eisen van het apparaat – in de lijn van de menschmaschine (mens-machine) filosofie van de Duitse elektronica legendes Kraftwerk. Dit staat haaks op de belofte van de meeste consumentgerichte innovatie: functionele superioriteit en meer gebruiksgemak.
In de bestseller The Tipping Point van Malcolm Gladwell worden consumenten die nieuwe technologie omarmen gezien als de vernieuwers, terwijl degenen die het langzaamst overstappen de achterblijvers zijn, vaak vanwege een gebrek aan middelen om zich de nieuwste innovatie te kunnen veroorloven. Maar de analoge, “anti-tech” revival kan ook gezien worden als een nieuwe vorm van statusconsumptie, gezien de kosten die gepaard gaan met gebruik, reparatie, kans op defecten, tijd om te leren en de fysieke ruimte die nodig is voor opslag.
De analoge revival wordt gedreven door mensen die “actief” willen zijn in plaats van passieve consumenten. Hoe meer ze zich bezighouden met het werk dat analoge technologieën vereisen, hoe meer controle ze krijgen over het vormgeven van hun gewenste ervaringen – eerst door de regels te leren, dan door ze vakkundig toe te passen en dan, uiteindelijk, door de regels te overtreden, waardoor gelukkige ongelukken ontstaan die gedeeld kunnen worden met gelijkgestemde anderen.
Rob is de oprichter van een website die oorspronkelijk gewijd was aan de Human League, en die uiteindelijk een platform werd voor elektronische muziek en, voor korte tijd, een platenlabel. Na een lange periode inactief te zijn geweest, begon de website plotseling op grote schaal vinyl te vieren. Rob vertelde ons hoe zijn liefde voor muziek was bekoeld door het “gemak” van digitaal, te beginnen met cd’s en de mp3-speler – en hoe vinyl hem weer nieuw leven had ingeblazen.
Voor hem kwam het probleem bij het luisteren op digitale apparaten zonder de “zijkanten” van vinylalbums, en vervolgens op muziekstreamingplatforms waarvan de digitale algoritmen de voorkeur geven aan populaire nummers. Voor Rob lag het plezier van het luisteren naar muziek voor een groot deel in het ontdekken van onbekende juweeltjes van albumtracks en B-kantjes:
Ik luisterde nooit helemaal naar een album op een MP3, dus het werd allemaal een beetje onsamenhangend. Het was te gemakkelijk – ik begon me te vervelen. Ik werd niet meer zo in de muziek getrokken als wat ik me herinnerde … Met vinyl ben ik naar bands gaan kijken die ik op CD nooit in overweging zou hebben genomen.
‘Dit nummer zuigt’
In ons onderzoek maken we onderscheid tussen analoge “ambachtslieden”, die uren hebben besteed aan het beheersen van de regels van hun technologie, en “ontwerpers” die verder gaan. Dit zijn de mensen die de regels willen oprekken en doorbreken en de gelukkige ongelukken willen veroorzaken die iets totaal nieuws creëren. Bijvoorbeeld fotografen die meer creatieve expressies zoeken door hun camerafilm voor te weken of te “souperen” in citroensap, koffie, bier of zelfs te verbranden.
En onder deze groep is het verbinden van digitale en analoge technologie ook gebruikelijk – het combineren van twee totaal verschillende systemen om nog meer mogelijkheden te genereren.
Het eerste deel van Dune (2021) van filmregisseur Denis Villeneuve werd aanvankelijk opgenomen op digitaal, vervolgens overgezet naar film en daarna opnieuw gedigitaliseerd. Waarom?
Villeneuve zegt dat hij vond dat alleen digitaal “te hard” zou zijn geweest voor een film waarin textuur en natuur een belangrijke rol spelen. Maar tegelijkertijd, voor een verhaal dat zich afspeelt in het jaar 10191, zou alleen op film vertrouwen te veel een nostalgisch gevoel hebben gegeven. Door de twee te combineren kreeg Villeneuve een film die, in zijn woorden, een “tijdlozer, schilderachtiger gevoel” heeft. Voor Dune: Part Two (2024), waarbij veel scènes zijn opgenomen met oude Sovjet Helios-44 lenzen om het droomachtige “bokeh” effect te creëren.
In I Dream of Wires, een documentaire uit 2014 over de verbazingwekkende terugkeer van analoge synthesizers, legt Chris Carter, een voormalig lid van de industriële muziekpioniers Throbbing Gristle, de aantrekkingskracht uit van het samenvoegen van analoge en digitale technologie:
Ik combineer graag analoog en digitaal [synth] modules. Je kunt modules hebben die samplen en die geluiden manipuleren, filters die gekke dingen doen, en door al die dingen samen te combineren krijg je geluiden die je je voorheen niet kon voorstellen. Je kunt al deze mengsels van fabrikanten en ontwerpen gebruiken en het kleinste wat je op de ene doet kan het grootste effect hebben op iets anders verderop in die keten.
In 2022 onthulden de legendarische producer T Bone Burnett en Bob Dylan dat ze nummers hadden opgenomen met een nieuw soort analoge, aluminium schijf die, volgens hun aankondiging, “een diepte, resonantie en geluidskwaliteit bezit die die van vinyl, CD, streaming of welke andere manier dan ook om opgenomen muziek te ervaren, overtreft”. Hoewel dit project vooral bedoeld was voor rijke verzamelaars, met de heropname van Dylans hitsingle Blowin’ in the Wind die vervolgens op een veiling voor 1,48 miljoen pond werd verkocht, suggereert het dat analoge muziektechnologie nog meer innovaties voor ons in petto kan hebben.
Er is echter nog een andere reden voor de groeiende populariteit van deze oude en moeilijke technologie. Recentelijk is er veel te doen geweest over de rol van mensen in de creatie en consumptie van kunstvormen, vooral nu AI-gegenereerde kunst en muziek op grote schaal beschikbaar is.
Nick Cave schreef in januari 2023, toen hij de tekst van een liedje kreeg toegestuurd dat was gegenereerd door Open AI’s chatbot ChatGPT “in de stijl van Nick Cave”: “This song sucks.” En hij zei nog veel meer, waaronder dat liedjes ontstaan uit lijden en “data kan niet lijden”:
ChatGPT heeft geen innerlijk wezen, het is nergens geweest, het heeft niets doorstaan, het heeft niet het lef gehad om voorbij zijn beperkingen te reiken, en daarom heeft het niet de capaciteit voor een gedeelde transcendente ervaring, omdat het geen beperkingen heeft van waaruit het kan transcenderen.
Cave benadrukt, net als veel van onze geïnterviewden, het belang van het hebben van grenzen die overwonnen moeten worden als onderdeel van elk menselijk creatief proces. Omdat analoog echte mensen bevoorrecht bij het maken van kunst, kan het cultureel steeds belangrijker worden als tegengif voor het ontluikende gebruik van AI. Of zoals Cave het zegt:
Dit is wat wij nederige mensen kunnen bieden dat AI alleen maar kan nabootsen – de transcendente reis van de kunstenaar die altijd worstelt met zijn of haar eigen tekortkomingen.
*Enkele namen in dit artikel zijn veranderd om de anonimiteit van de geïnterviewden te beschermen.
Voor jou: meer uit onze Insights-serie:
Hoe muziek ons geneest, zelfs als het verdrietig is – door een neurowetenschapper die een nieuw onderzoek naar muziektherapie leidt
De artiest die voorheen bekend stond als Camille – Prince’s verloren album ‘komt uit’.
De beroemde verhalen van Beatrix Potter zijn gebaseerd op verhalen verteld door tot slaaf gemaakte Afrikanen – maar ze was erg stil over hun oorsprong
Sluit je aan bij de honderdduizenden mensen die het op feiten gebaseerde nieuws van The Conversation waarderen om te horen over nieuwe Insights-artikelen. Abonneer u op onze nieuwsbrief.
De auteurs werken niet voor, adviseren niet, bezitten geen aandelen in en ontvangen geen financiering van bedrijven of organisaties die baat zouden hebben bij dit artikel en hebben geen relevante banden bekendgemaakt buiten hun academische aanstelling.
